EXPOSIÇÕES ATUAIS

ESCHER

ESCHER

ESCHER, MAIS INTRIGANTE DO QUE INQUIETANTE

 
A qualificação de artista é talvez embaraçosa para Escher, ela é certamente para nós, e não tenho a certeza de que esta exposição (no Museu da Arte Popular de Lisboa, até 27 de maio) nos ajude realmente a desfazermos esse constrangimento. Todos vemos as gravuras intrigantes de Escher, que questionam o nosso sentido lógico e a nossa visão, mas, para mim, foi a primeira vez que vi uma exposição maior de seu trabalho. Em primeiro lugar, não existe a menor dúvida: Escher é um artista gráfico, um desenhador de grande talento.

Antes de 1937, data a partir da qual ele se consagrará exclusivamente às suas "tilings", ele já era um gravador sobre madeira talentoso, banhado por influências italianas (e, em particular, do extremo sul da península, de Influências árabes) e andaluz; a sua visita ao Alhambra de Granada e à mesquita de Córdoba em 1936 fizeram-no descobrir (ou pelo menos conhecer melhor) a arte maurisca não figurativa, poesia de sinais entrelaçados que o inspirariam fortemente. Mas, nas suas xilogravuras, ele integrou também a influência da Art Nouveau e do seu professor Samuel Jessurun de Mesquita, cuja linha artística evoca os contornos fluidos de um Samico, sem ter a riqueza emocional ou onírica.

Este primeiro período de Escher, menos conhecido, inclui, portanto, essencialmente desenhos ou gravuras de paisagens: alguns são simplesmente realistas, como as suas paisagens de Calabria; outros incluem vistas mais audaciosas, atalhos surpreendentes. Assim, essa visão de Roma a partir de 1927 sobre a qual o griffon de Villa Borghese vem taxando impostos já introduz uma forma de surpresa, para ver desconforto no espectador. Outro assunto favorito de Escher durante este período: a arquitetura, com desenhos muito complexos, mas que, tão vertiginosos quanto são, respeitam ainda um espaço lógico tridimensional e uma perspectiva não equivocada e ainda compreensível, como essa "Torre Babel de 1926 (mais alta)".

E assim, é a partir de 1937 que a Escher desenvolve o que o fará passar à posteridade, esses desenhos de paradoxo e ilusão, que estão entre os jogos visuais mais intelectualmente estimulantes, frente dos quais o olhar se interroga, a mente hesita e procura em vão reconciliar o que ela vê e o que ela pensa que deveria ver. A sua construção assenta em loops, cada um dos quais é coerente, mas cuja justaposição é incoerente. "As mãos desenhando" são bem entendido absurdas, os dois níveis do loop, o desenhador e o desenhado, não são mais hierárquicos (um desenha o outro), mas eles voltam-se un para o outro e criam um emaranhado de hierarquias; e é preciso imaginar a mão de Escher desenhando essas duas mãos ...

A maioria dos loopes subjacentes às suas composições são mais complexos: seis graus no "Movimento perpétuo" onde a água flui, 45 graus em "Ascensão e Descida" onde os monges escalam os degraus. Cada escada, cada passo é um determinado elemento, mas esses elementos são montados de maneira não padronizada, criando uma impossibilidade flagrante, uma incerteza total. É um processo infinito, que é representado de maneir finita, e portanto absurdo.

Nas suas peças baseadas na metamorfose, ele já não joga com a gravidade mas com a transformação: as figuras tornam-se fundo, os fundos figuras, as partes de um objeto constituem-se cópias, positivo e negativo interlaçam-se, ressaltam as oposições entre formas e cores, e afastamo-nos do ponto de partida para retornar a ele. No "Dia e na Noite" os pássaros tornam-se campos e os campos pássaros, e o dia e a noite confundem-se, até forçar a nossa mente a abandonar toda a lógica. Em Metamorphose II, a composição, com um comprimento próximo de 4 metros, é ainda mais complexa, da palavra à forma geométrica, da forma ao animal, de um animal a outro, do animal à arquitetura, da arquitetura à forma geométrica, e de volta à palavra.

Finalmente, uma das composições mais fascinantes de Escher é certamente "A Galeria de Gravuras": é uma pintura que representa uma pintura, representando-se ela mesmo; a menos que não seja uma exposição que se represente a ela mesmo; ou talvez uma cidade represendanto-se ela mesmo; ou um jovem se representando ele mesmo. O museu está na cidade, a cidade está na pintura, a pintura está no museu. Somos aspirados para o olho do ciclone?

Escher não pôde resolver o enigma final e, portanto, teve que parar a sua composição e colocar a sua assinatura no centro, onde ele encontrou a sua própria lógica. Mas, em 2003, 47 anos depois, o matemático Hendrik Lenstra e a sua equipa conseguiram resolver o enigma e preencher o vazio central.

Vários fizeram a analogia entre os desenhos de Escher e as fugas de Bach. O filósofo e lógico Douglas Hofstadter também os comparou aos teoremas de Gödel, acreditando que essas três pesquisas eram facetas de um mesmo sujeito, nossa incapacidade essencial para compreender a própria natureza do nosso processo de pensamento, que ele considera como a incompletude da auto-referência (simplificando grosso modo as suas 880 páginas). Livro um pouco árduo, certamente, e que alguns extratos são legíveis aqui, mas um livro emocionante e muito bem escrito. Mas parece-me que, mesmo para um ignorante em música, para alguém que não conhece a arte da fuga e do contraponto, para um ouvinte que não compreende o arranjo de uma fuga de Bach, permaneceria no entanto um sentimento de beleza, de harmonia, sem dúvida impossível de analisar, de expressar, mas no entanto muito presente.

Da mesma forma, olhando para as obras surrealistas, por exemplo, de frente para um Magritte, eu não ficarei somente surpreso com a aparência, pergunto-me sobre o significado da imagem, sobre a ligação entre o mundo exterior e a sua representação mental, mas também verei uma pintura cuja estranheza perturbadora é mais forte do que o jogo único da construção e destruição lógica que lhe está subjacente. Assim, por exemplo, "A reprodução proibida", o conteúdo não questiona apenas o meu senso de lógica, mas confronta-me também com o absurdo, a inquietação, o duplo, o espelho, a morte.

René Magritte, A Reprodução Proibida, 1937, óleo sobre tela, 79x65cm. Museu Boijmans van Beuningen, Rotterdam

Diante de um Escher, não sinto nada parecido: o propósito limita-se a uma transgressão virtuosa das regras da perspectiva e da representação, a um enigma lógico admiravelmente bem construído, mas, aos meus olhos, sem ir além, sem trazer uma pequena qualquer coisa mais, que me inquietasse em vez de somente me intrigar. E não é a inclusão simplista de um crânio na parte de trás da retina que irá preencher essa lacuna. Por muito que o meu sentido lógico seja despertado pelo desenho de Escher, no entanto, nunca me sinto desestabilizado no mais profundo de mim, como posso estar diante de um Magritte (ou um Dali, ou um Tanguy). Talvez o próprio Escher sentiu essa lacuna, essa limitação da sua "arte" a um simples (mas maravilhoso) jogo da mente, e talvez seja por isso que ele hesitou em se qualificar como artista ...